Se Marcel Duchamp fosse nostro contemporaneo, non ci sorprenderebbe se presentasse il suo famoso “orinatoio”  (Fontana, 1917) sotto forma di… meme: un fenomeno virale (immagine, video, testo) dal contenuto ironico, irriverente e imprevedibile.<< Il meme come nuova wave del Dada - così l’ha definito l’ospite di oggi, Simone Nigiotti, creatore del profilo Instagram da quasi 25 mila followers @ready_meme.exe - la summa perfetta di immediatezza e impatto visivo >>.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Femminismi contro: Pratiche artistiche e cartografie di genere (2023, Meltemi Editore) è un insieme di otto saggi di artiste, critiche e curatrici accumunate dal loro legame tra arte, cultura e politica che, uniti, scandiscono una narrazione contro-egemonica dell’arte.A raccontarcelo è Elvira Vannini, storica dell’arte, critica d’arte, curatrice indipendente, docente alla NABA di Milano, fondatrice del blog/magazine HOT POTATOES e curatrice dell’antologia.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Sperimentatrice, ricercatrice, militante femminista e una delle prime artiste astrattiste italiane: questo e molto altro è stata Carla Accardi (9 ottobre 1924, Trapani - 23 febbraio 2014, Roma), figura cardine dell’arte del Novecento. Questo episodio è dedicato alla sua lunghissima carriera artistica - durata circa sessant’anni - con particolare attenzione al rapporto tra arte e femminismo (per il quale ha chiuso i rapporti con Carla Lonzi) e alla sua sperimentazione artistica. Vi ricordo che la mostra a lei dedicata al Palazzo Esposizioni a Roma è visitabile fino al 9 giugno 2024!Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Il ghiaccio attraversa l’ecologia, il femminile e il femminismo, la politica, fino ad arrivare alla poesia: l’inevitabilità del suo scioglimento ci riconduce alla fragilità e alla transitorietà della nostra vita, alla mortalità del nostro essere.In questo episodio vedremo degli esempi di artisti - David Hammons, Francis Alÿs, Paul Kos, Nèle Azevedo, Ólafur Elíasson, Kirsten Justesen e Gloria Camiruaga - che, con la loro arte, hanno concretizzato questo discorso, rovesciando la monumentalità e la solidità del ghiaccio in favore della sua contraddittoria effimerità e della sua ampia simbologia. Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

All’improvviso il tonfo. Durante la notte dell’8 settembre 1985, qualcosa precipita dal 34° piano di un palazzo nel Greenwich Village, a New York: è il corpo di Ana Mendieta, artista femminista di origini cubane.Ad avvisare le autorità è stato il marito, anche lui artista, Carl Andre. Unico sospettato della sua morte, Andre verrà processato e poi assolto nel 1988 per insufficienza di prove. Suicidio o femminicidio? Nonostante una sentenza definitiva, l’enigma rimane tutt’oggi ancora aperto, lasciando nel pensiero collettivo diversi dubbi (e tanta rabbia) ancora in sospeso.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Ciò che divideva l’Europa in blocchi (occidentale e orientale) - prima della Caduta del Muro di Berlino - era la Cortina di ferro: linea di divisione e di confine.Tuttavia, il confine oltre che “frontiera”, era anche limite, soglia: luogo sì di separazione, ma anche di riflessione e immaginazione. Dietro la cortina di ferro, gli artisti tematizzavano il confine, rendendolo tangibile nelle loro opere. Per le artiste, inoltre, il confine trattato aveva una connotazione differente: non era solo politico, ma soprattutto sociale, culturale ed esistenziale.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Ewa Partum (1945, Grodzisk Mazowiecki, Polonia) e Magdalena Abakanowicz (20 giugno 1930, Falenty, Polonia - 20 aprile 2017, Varsavia, Polonia) sono due artiste polacche che, oltre al paese d’origine, hanno apparentemente ben poco in comune: la prima è considerata tutt’oggi una delle più grandi pioniere dell’arte femminista dell’Europa dell’est mentre, la seconda, un’importante artista installativa che, al contrario, mai si è voluta definire femminista.In realtà qualcosa in comune ce l’hanno e nell’episodio di oggi cercheremo di approfondirlo: seppur in modo differente, nei lavori di entrambe emerge la tematica del corpo, inteso come elemento rappresentativo dei valori di una Polonia devastata e sconvolta non solo dalla Seconda guerra mondiale ma anche dalla rivoluzione comunista (che ha portato a circa quarantacinque anni di regime).Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

“Artista, gallerista, femminista, agitatrice culturale”: è così che Manuela Gandini descrive sua madre, Milli Gandini (1941-2017), fondatrice del gruppo femminista Immagine di Varese.In questo episodio, Manuela ci permette di ripercorrere alcuni aspetti della vita dell'artista: a partire dalla sua adolescenza, che coincide con la scelta - poi all’ultimo abbandonata - di farsi suora; al momento in cui si avvicina al femminismo; fino ad arrivare alla sua iconica performance “La mamma è uscita” in cui deliberatamente smette di pulire, di cucinare, di prendersi cura della casa e della famiglia. Chiama poi Mirella Tognola - un’altra artista del gruppo - che, nella polvere sedimentata sui mobili, traccia con il dito la scritta “salario al lavoro domestico” e il simbolo femminista creando, come direbbe Manuela, dei << graffiti interni, non urbani, graffiti familiari >>.Un’arte-arma quella di Milli Gandini: sovversiva, arrabbiata e ribelle. Un’arte che, anche quarant’anni più tardi, non perde la sua energia né tantomeno la sua freschezza.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

VALIE EXPORT (17 maggio 1940, Linz, Austria) si scrive tutto in maiuscolo. E questo non vale solo per il suo nome, ma anche per la sua persona: un’artista sfrontata, provocatoria, ribelle e controcorrente fin da bambina.All’età di 27 anni deciderà di cambiare all’anagrafe il suo nome di battesimo (Waltraud Lehner) in VALIE EXPORT: slegandosi così non solo dal cognome del padre - Lehner, appunto - ma anche da quello dell’ex marito - Hollinger - che aveva sposato all’età di 18 anni e dal quale aveva avuto una figlia.Libera, indipendente e slegata dalle imposizioni sociali maschiliste, VALIE EXPORT inizia la sua carriera d’artista, facendosi coraggiosamente strada in un’Austria intrisa di perbenismo e ipocrisia.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Sui suoi canali social (soprattutto TikTok) l’ospite di oggi, @alessiomaronn, denuncia quotidianamente prevaricazioni, prepotenze e ingiustizie morali, sociali e culturali che relegano la donna - e non solo - in uno radicato stato di subordinazione ed emarginazione (le stesse che Pelo nell’uovo approfondisce nel contesto dell’arte).Scommetto che qualcun* di voi, leggendo queste poche righe, avrà esordito con: << Mansplaing! >> e invece vi posso assicurare che non è affatto così: con la sua divulgazione, Alessio si autodecostruisce ancor prima di decostruire e si interroga sul suo effettivo ruolo nella società, senza mai negare l’esistenza del suo privilegio maschile. Grazie di cuore @alessiomaronn per quello che fai, per quello che porti avanti ogni giorno e per la persona che sei! E grazie per avvicinare sempre più persone alla consapevolezza di queste tematiche!Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Si sa, nel corso della storia dell’umanità la censura ha portato all’oscuramento di linguaggi, pensieri e prese di posizione.Nell’arte, però, quasi per assurdo, ha significato la spinta della curiosità del pubblico e dell’interesse della critica verso gli artisti censurati, aumentando il valore artistico ed economico delle loro opere (basi pensare a Egon Schiele, Èdouard Manet, Gustave Courbet e molti altri…).Tuttavia, per le artiste censurate, non è stato proprio così: la censura non ha dato loro nessun aiuto, anzi, spesso ha determinato il decadimento della loro carriera.Per le artiste la censura non è stata solo sinonimo di cancellazione, di privazione di una voce e di un pensiero, ma anche di un ruolo, oscurando sia il loro lavoro, che la loro persona.In questo episodio parleremo di tre casi di censura in particolare: Anita Steckel (24 febbraio 1930, Brooklyn, New York - 16 marzo 2012, Manhattan, New York); Dorothy Iannone (9 agosto 1933, Boston, Stati Uniti - 26 dicembre 2022, Berlino, Germania) e Penny Slinger (1947, Londra, Regno Unito).Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Nel nord ovest dell’Italia, al confine tra Liguria e Toscana in un luogo chiamato Lunigiana, si trova Castelnuovo. Nei suoi pressi è sorto un piccolo territorio indipendente: si tratta di “Ceneria”, il primo regno libero fatto a mano, ateo e dell’arte. Così lo definisce la sua fondatrice Elisa Ceneri, artista visiva e regina del regno. Una terra che rispecchia la fatica ma anche l’armonia e la cooperatività, la felicità e la pace; “un luogo per me e per i miei amici, ma anche a tutte quelle persone che vogliono estraniarsi dal contesto culturale in cui vivono”.Ma il regno di Ceneria, come ci racconterà l’artista stessa, non è una monarchia come le altre, ma un regno libero e svincolato dai concetti competitivi e egocentrici del mondo in sintonia con la natura e il con il rispetto del luogo; terra di libertà e di cultura; territorio di arte nella sua dimensione più ampia e pura. Questo e molto altro è Ceneria.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

In questo episodio vedremo, partendo dall’inizio, la storia di Lee Miller (23 aprile 1907, New York - 21 luglio 1977, Chiddingly): modella, grande fotografa, pioniera della fotografia surrealista e prima donna reporter di guerra, ricordata quasi esclusivamente come amante e musa di Man Ray.Quella di Lee Miller è solo una delle tante storie che stiamo affrontando su Pelo nell’uovo, storie di grandi donne, di grandi artiste relegate all’ombra dei loro amanti, mariti o padri.È ora di prendere consapevolezza, di prendere voce e non per riscrivere la storia, quanto piuttosto, per rileggerla. Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

In questo episodio, dal taglio più storico, introdurremo quello che nella storia e nell’arte è un argomento di cui potremmo parlare all’infinito: il colonialismo.Ci soffermeremo, nel particolare, su alcuni dei fenomeni più vergognosi degli ultimi secoli: gli zoo umani, delle vere e proprie esposizioni in recinti o gabbie dove al posto di animali esotici, vi si trovavano persone provenienti dalle parti più disparate del mondo (etiopi, eritrei, nubiani, eschimesi, portoricani…). Nel 1992, gli artisti Coco Fusco e Guillermo Gómez-Peña, realizzano la performance The Couple in a Cage in cui si fanno rinchiudere in una gabbia, simulando due amerindi provenienti da un’isola immaginaria.Sebbene l’intento degli artisti fosse quello di creare un commento satirico e critico sulla scoperta dell’America, si sono presto resi conto che molti dei loro spettatori credevano alla finzione e pensavano che gli artisti fossero dei “veri selvaggi” proprio come accadeva negli zoo umani.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Oggi mi trovo con Giulia Ariganello (@educazione.rgn), educatrice e content creator, per riflettere sul rapporto tra arte ed emarginazione sociale.Come scopriremo in questo episodio, infatti, sono due mondi profondamente interconnessi: basti pensare allo stesso artista, l’emarginato sociale per eccellenza, o anche all’emarginazione sociale come oggetto di opere d’arte.Un esempio tra i più celebri è “Seconda soluzione di immortalità (l’universo è immobile)”, esposta a Venezia durante la Biennale di Venezia del 1972, in cui l’artista Gino De Dominicis (1 aprile 1947, Ancona - 29 novembre 1998, Roma) espone un ragazzo down, Paolo Rosa, che fissa tre sue opere. È subito scandalo: l’opera dura poco più di mezz’ora, l’artista viene accusato di sottrazione di incapace e la stampa esordisce, senza un briciolo di umanità, definendolo “subnormale”, “minorato”, “mongoloide messo all’angolo”.L’opera di De Dominicis, in realtà, era l’esatto opposto: una denuncia sociale a quella stessa disumanità gratuitamente ricevuta.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

“Quando ho saputo che esisteva il femminismo non sono stata neanche lì a informarmi su cos'era: sono una donna, dunque faccio il femminismo” scriveva Carla Lonzi (6 marzo 1931, Firenze - 2 agosto 1982, Milano). La sua carriera inizia come critica d’arte ma, ben presto, le cose cambieranno radicalmente.Capisce infatti che l’arte era troppo impregnata dell’oppressione maschile poterne rappresentare una forma di liberazione per la donna. La soluzione era dunque una: astenersi, non prenderne parte. Lei stessa decide di abbandonare l’arte e da lì in poi, e per tutta la vita, si dedicherà esclusivamente alla pratica femminista, diventando una delle più importanti, se non la prima in assoluto, teoriche del femminismo italiano degli anni Settanta.Questa è la sua storia.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

“La verità non può essere contenuta in un solo sogno, né nel sogno di uno solo” diceva Piero Gilardi (3 agosto 1942 - 5 marzo 2023): artista, sperimentatore, attivista, ecologista e uno tra i primi ad aver riconosciuto l’arte come impegno socio-politico collettivo.Quella di Gilardi è un’arte autentica, radicale, ma anche multiforme, dalle mille sfaccettature: ironica, divertente, sovversiva, arrabbiata, a tratti visionaria. Alla fine degli anni ’60, infatti, nel pieno del successo internazionale dato soprattutto dai suoi tappeti-natura, decide che è arrivato il momento di smettere di fare arte.Questo “abbandono” non rappresenta solamente una presa di posizione artistica, ma soprattutto un riposizionamento politico e sociale.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Più l’arte è maestosa, virtuosistica e collettivamente considerata “bella” e più viene sacralizzata, resa intoccabile.Ma le conseguenze… quali sono? Sintetizzandole: l’arte inevitabilmente si allontana da una dimensione terrena per elevarsi, divinizzarsi; tutto ciò che non rientra in questi canoni non viene considerata arte (come banalmente succede con l’arte contemporanea); e i luoghi dell’arte, al posto di rappresentare spazi attivi di dibattito, diventano una sorta di silenziosi templi religiosi.Questa volta, però, non ve ne parlerò da sola: con me c’è @rey.sciutto, divulgatore storico-artistico attivo da anni sui social (oltre che unico e solo imperatore del Sacro Calabro Impero).Ci racconterà di lui, del suo percorso, della sua sconfinata passione per l’arte e del suo modo non convenzionale di raccontarla. Attraverso un linguaggio dinamico e semplice, infatti, riesce a profanare quell’aurea di superiorità dell’arte, rendendola accessibile e godibile a tutti.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Fino al 9 ottobre 2023, al Museo Madre di Napoli, è aperta al pubblico la mostra a cura di Eva Fabbris dedicata a Kazuko Miyamoto (Tokyo, 1942), un’artista che ha sempre cercato di riaffermare il suo ruolo da donna artista non bianca in un contesto - come quello degli Stati Uniti della seconda metà del ‘900 - in cui “arte” e “mascolinità” andavano innegabilmente di pari passo.In ogni fase della sua vita e del suo percorso artistico (dal figurativo, al geometrico, al politico, al naturale, fino al performativo) vediamo come il tentativo di un riposizionamento di ruoli sia, non solo onnipresente, ma necessario. Nel 1972, Miyamoto prende parte alla mostra “13 Women Artists”, una delle prime espressioni artistiche, dalle fondamenta profondamente politiche, che denunciava il misero spazio che le grandi gallerie e istituzioni davano alle donne artiste.Ma quella di Miyamoto è un’arte che è sempre stata “politica”: ricercare l’imprecisione nella perfetta rigidità minimalista è un atto politico; non sottostare alle rigide regole di un sistema patriarcale è un atto politico; disobbedire, in qualsiasi forma, è un atto politico.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram@pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!

Spine di rosa conficcate nelle braccia, tagli sul corpo e sul viso: sono sicura che, almeno una volta nella vostra vita, vi sarà capitato di imbattervi in una di queste opere di Gina Pane, artista considerata quasi un’icona femminista dell’arte.Ma, ecco, sarà realmente così? Gina Pane è o non è un’artista femminista?Nonostante avesse partecipato ai movimenti di emancipazione femminile del ’68 e utilizzasse chiari riferimenti della sfera femminile nelle sue opere, la risposta non è così diretta come potrebbe sembrare.La sofferenza di cui tratta, infatti, non era esclusiva del femminile, quanto piuttosto di un dolore storico, culturale, sociale ed esistenziale che comprende l’altro nel più generale.Come lei stessa afferma, tutto quello che fa: << è per amore vostro: l’altro >>.Per vedere le immagini e i riferimenti citati in questo episodio, mi trovate su Instagram @pelo.nell.uovo e, se vi va, seguitemi per rimanere sempre aggiornati!